domingo, 21 de abril de 2019

Proyecto y proceso creativo. Grupo 10: Pablo Carrasco González.


Estamos ante un proceso creativo el cual tuvo comienzo a mediados de Febrero. Dicho proyecto estuvo organizado por grupos, cada cual en una mesa de trabajo donde comenzamos a escribir palabras relacionadas sobre la infancia, el arte y el juego. Una vez puesto en común todas y cada una de las palabras que para nuestro grupo representaba los tres aspectos anteriores, tomó protagonismo la expresión gráfica llevada a cabo con lápiz de grafito. En esta actividad, de manera individual, buscábamos formas, dibujos... elementos que pudieran expresar las palabras anteriores. Dicha representación bidimensional tenía como norma la elaboración de este de tal forma que solo estuviera representada por letras, palabras o incluso frases. Este ejercicio fue llevado a cabo en un bloc de dibujo sin marco (Bloc de dibujo Disco) con un lápiz grafito “HB” como herramienta.




Seguimos con nuestro proceso creativo y es turno de la siguiente actividad, la cual consistía en una investigación y su posterior puesta en común de ideas, ejemplos... de autores que trabajan bajo la misma línea que nosotros estábamos haciendo, es decir, que sus obras fuesen elaboradas por letras, palabras o frases y en caso de obras escultóricas, que estas fueran realizadas con partes huecas y macizas. En mi caso particular, me centré en la búsqueda de una obra escultórica de Jaume Plensa, de la cual os informo a continuación: 




Título: Alma del Ebro, obra recogida en“House of Knowledge” (Casa del conocimiento).
Localización: Recinto EXPO 2008 , junto al Palacio de Congresos.
Autor: Jaume Plensa.
Año: 2008.
Material: De acero inoxidable, está compuesta por multitud de letras soldadas.
Explicación: Esta gran forma humana es una invitación a viajar en el espacio y dentro de la
escultura misma. Ha sido definida por el propio autor como “una arquitectura que protege algo muy frágil como es el alma”.

Una vez realizadas las investigaciones y puesta en común de las mismas, ya estábamos preparados para dar el salto al mundo tridimensional con nuestra propia escultura. Esta debía ser elaborada con partes macizas y huecas cuyo material era el cartón y como elemento decorativo tomábamos nuestro dibujo previo realizado en el bloc de dibujo.


Para la elaboración de la misma debíamos seguir una serie de procedimientos como la elaboración de un boceto previo en papel, donde expresamos todas las ideas que teníamos.



En cuánto a la explicación de mi obra, es una composición cúbica la cual está abierta por 5 de las 6 caras del cubo para que se pueda mostrar lo que se encuentra en su interior. En su interior se encuentra una mariposa, que recordemos, es el dibujo que realizamos en la primera actividad en el bloc. La elección de la mariposa es muy sencillo de explicar. Con el cubo he querido plasmar el arte, la infancia y el juego. Dentro del mismo, sen encuentra la mariposa, la cual representa a los niños y niñas, el elemento más importante. La mariposa representa o significa evolución, progreso, cambio... por ello he visto muy adecuado adaptar el significado de la mariposa al de los niños y niñas, ya que en esta etapa educativa, ellos están en constantes cambios, evolucionando y progresando en sus procesos de enseñanza-aprendizaje y en la vida en general.
Al mostrar la mariposa, le quise dar un poco de dinamismo a la escultura y lo conseguí gracias a una tanza de pescar la cual aguantaba a la mariposa en el aire con libertad de movimientos.

Por último y como broche a la finalización de la obra, tocaba realizar fotos a la sombra de nuestra escultura y que, con la elaboración de la cartela, estábamos a disposición para poder exponer nuestra obra.



jueves, 18 de abril de 2019

Proyecto - proceso creativo. Gema Delgado Ortega


Este proyecto- proceso creativo comenzó con la creación de los grupos de clase para poder realizar un dibujo conjuntamente sobre nuestros recuerdos de la infancia, teniendo en cuenta el arte y los juegos que realizábamos. Estas ideas las plasmamos en un dibujo, utilizando para ello todo tipo de materiales (rotuladores, lápices de grafito, lápices de madera…) y luz natural. 




En la siguiente sesión, seguimos empleando la expresión gráfica solo con lápiz de grafito, con la indicación de solo utilizar letras, palabras, frases, combinándolas pero con la finalidad de expresarlo todo a través de ellas, empleando la forma bidimensional.
Mis dibujos fueron realizados en un bloc de dibujo, sin recuadro de la marca Artix. También he utilizado un lápiz de grafito, de la marca Milan , específicamente “HB”, es decir he utilizado un lápiz estándar para realizar mis bocetos, se encuentra en el intermedio de los duros y blandos.
Esta actividad la realizamos con la canción de Billie Eilish “I don’t wanna be you “de fondo.
 


La siguiente actividad que realizamos, fue la investigación, búsquedas y puesta en común de información sobre autores cuyas obras estuviesen formadas por letras pero con la condición de que fuese, a la misma vez, macizas y huecas.
En mi búsqueda encontré autores como Jaume Plensa con su escultura moderna en Zaragoza (El alma del Ebro), Guillaume Apollinaire con su escultura La corbata y el reloj y la última escultura que encontré y la que decidí realizar fue la del autor Lorenzo Quinn con su escultura Support.
            Lorenzo Quinn realizó esta escultura para concienciar sobre el cambio climático.
Gracias a la puesta en común podemos aprender unos/as de otros/as, porque se trata de ser capaces nosotros/as mismas de construir nuestro propio conocimiento, al igual que se realiza en el constructivismo.
Una vez tuvimos la información necesaria acerca del autor que queríamos trabajar, pusimos en práctica lo aprendido a través del mundo tridimensional.
La elaboración de nuestra propia escultura debería de ser en cartón y cubiertas por nuestros bocetos realizados anteriormente. Mi escultura está compuesta por una sola pieza y presenta tanto partes macizas como huecas. Las partes macizas están formadas por las manos y dedos; las partes huecas por la unión de estos.  Los materiales que emplee para realizar mi escultura fueron cartón, tijeras, pegamento, silicona caliente, cúter… Como debíamos de introducir la canción escuchada durante todas las sesiones en nuestra escultura, pensé que la mejor forma era colgar de la unión de los dedos por dentro.






Lo que pretendía reivindicar con la realización de esta escultura es las experiencias y percepciones que podemos llegar a recibir y trasmitir a través de los sentidos. Además con los huecos de la escultura podemos observar diferentes formas geométricas. 




martes, 16 de abril de 2019

Proyecto y proceso creativo. Grupo 10. Cristina López Monje


                           “Mi proceso creativo: El árbol de la vida”
                            Realizado por Cristina López Monje

El proceso creativo comenzó con las palabras “Infancia”, “arte” y “juego”. A partir de ellas, y utilizándolas como inspiración, debíamos pensar en todo lo que se nos ocurriera y que estuviese relacionado con ellas. Entre las nuevas palabras que surgieron en el grupo fueron: creatividad, diversión, dibujo, colores, cooperación…
Con todas estas palabras, debíamos componer, de manera individual, un dibujo, el cual luego nos serviría para el siguiente paso, la escultura. En este dibujo no se debía utilizar goma de borrar, por lo que solo teníamos el blog de dibujo y el lápiz. En él se podía plasmar diversas formas, tamaños, intensidad de color, grosor, sombras… La única condición para dibujar, además de la mencionada anteriormente, era que todo el dibujo estuviese compuesto mediante letras.
Para mi dibujo he utilizado el cuaderno Canson Guarro Basik, el cual tiene un papel blanco un tacto poroso, es decir, no es totalmente liso al tacto, y además, es satinado, lo cual proporciona un acabado final más firme. Dicho papel es un A4+ de 23x32,5 cm y 130g/m2. El lápiz utilizado es de la marca STAEDTLER, concretamente un 2B 0.





Con todas las palabras se me ocurrió hacer un árbol, porque pensé que las primeras palabras (infancia, arte y juego) podían ser el tronco, la base dónde se sustentan las demás. El resto de las palabras representan las hojas porque, al igual que el árbol crece, pueden surgir nuevas palabras que estén relacionadas con las primeras.
Por esta razón, además, empecé a dibujar el tronco de mayor intensidad a menor intensidad, con la idea de representar con más fuerza la parte más baja del árbol, las raíces. De estas raíces (infancia, arte y juego) emanarían el resto de palabras, las cuales también he dibujado con diferentes tonos (de más a menos), con la misma idea, representar la evolución y vida del árbol, a medida que este crece, las palabras se difuminan ya que pueden aparecer otras nuevas.

Una vez realizada la composición, empezamos a buscar artistas, tanto conocidos como desconocidos, que fuesen pintores, escultores o arquitectos. Sus obras tenían algo en común, todas estaban compuestas por letras. En las esculturas, todas ellas debían tener partes macizas y partes vacías. Luego las nuestras, también debían ser de esta forma.
Entre las pinturas destaqué a León Ferrari y sus obras “Written Painting” y “Letter to a general” y los caligramas de Elisa Salas y Guillaume Apollinaire (“Lettre-Océan”).






En cuanto a las esculturas, escogí “El alma del Ebro” y “Glückauf” de Jaume Plensa, “Love” de Robert Indiana, y “El poema de San Juan” de Beatriz Díaz Ceballos.

Durante las clases, íbamos saliendo a exponer un poco las obras que íbamos escogiendo. De esta forma, los compañeros podían ver otras obras que no habían visto antes, lo cual permite que, entre todos, veamos un número mayor de obras y las demos a conocer entre unos y otros.
Tras la búsqueda y recogida de información, me dispuse a elaborar mi propia escultura, aunque antes, era necesario recoger todas las ideas en un boceto. 



En él, dejé constancia de qué iba a componer cada parte, pero luego hice algunas modificaciones, por ejemplo, al principio mi escultura solo iba a tener un vacío, y luego decidí que tendría varios, ya que esto le daría más juego a la hora de trabajar con las luces y las sombras.

Por otro lado, también añadí finalmente unas ramas y un columpio, con el objetivo de representar la infancia y el juego. 

El principal material utilizado es el cartón. Mi escultura está compuesta por un tronco grueso, que tiene distintos vacíos y a través del cual se puede ver el interior de la escultura. La parte de arriba esta compuesta por fotocopias de mi dibujo, las cuales he ido arrugando y modelando para darle la forma deseada.


Es importante destacar que durante todo el proceso creativo hemos estado escuchando la canción de Billie Eillish “I dont wanna be you anymore”, la cual nos ha servido de inspiración en todo momento. Por esta razón, he querido dejar constancia de ello y he forrado las raíces del árbol con su letra, ya que como inspiración para mi escultura, creo que lo que mejor lo representa son las raíces de la misma. 



La escultura en sí representa el arte, pero el árbol en concreto, representa la vida y el columpio, como he dicho anteriormente, representa la infancia y el juego. Todo en su conjunto significa que tanto la infancia, el juego y el arte son pilares fundamentales en la vida y debemos tenerlos en cuenta como docentes, ya que el juego se convierte en la principal fuente de aprendizaje de los niños, la creatividad y arte deben estar presentes porqué harán que los niños den cabida a su imaginación y sean únicos, haciendo las cosas a su manera y como ellos quieran, y por último, está la infancia. No debemos olvidarnos de que son niños, que a estas edades lo más importante es disfrutar y aprender divirtiéndonos, por lo que debemos respetar los ritmos de aprendizaje y características y peculiaridades de cada uno.




La última parte del proyecto consistía en trabajar las luces y sombras de nuestra escultura. Para ello, dejamos el aula a oscuras y la alumbramos con luz artificial, apreciando las diversas formas y los distintos vacíos de la misma. 




















Por último, hicimos una exposición en clase en la que cada grupo preparó su mesa y sus esculturas. Cada una de ellas contaba con fotos de sus sombras y con una cartela, en la cual se podía ver el nombre de la obra, el autor, los materiales utilizados y la fecha de la creación. Además, cada grupo añadió luces a sus mesas, ya que la clase estaba poco iluminada, con el fin de apreciar mejor las obras con las luces artificiales nuestras. 
 

Finalmente, mi grupo preparó la canción “I dont wanna be you anymore” para tocarla y cantarla, con el objetivo de que la exposición estuviese acompañada de una actividad algo diferente para todos. Esta creó un clima agradable entre los compañeros, y al terminar, todo estábamos tan a gusto que se siguió cantando hasta terminar la exposición. 

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El  13 de mayo fue el taller de creación artísticas con materiales reciclados. Yo no pude asistir al taller pero me interesé por ver cómo ...